54 لوحة مشهورة لفنانين مشهورين

كونك فنانًا مشهورًا في حياتك لا يضمن أن يتذكرك الفنانون الآخرون. هل سمعت عن الرسام الفرنسي إرنست ميسونييه؟

كان معاصرًا لإدوارد مانيه والفنان الأكثر نجاحًا إلى حد بعيد فيما يتعلق بالإشادة النقدية والمبيعات. والعكس صحيح أيضًا ، مع فنسنت فان جوخ. اعتمد فان جوخ على شقيقه ، ثيو ، لتزويده بالطلاء والقماش ، لكن لوحاته اليوم تجلب أسعارًا قياسية كلما ظهرت في مزاد فني ، وهو اسم مألوف.

إن النظر إلى اللوحات الشهيرة في الماضي والحاضر يمكن أن يعلمك أشياء كثيرة ، بما في ذلك تكوين الطلاء والتعامل معه. على الرغم من أن الدرس الأكثر أهمية هو أنه يجب عليك في النهاية أن ترسم لنفسك ، وليس لسوق أو للأجيال القادمة.

"نايت ووتش" - رامبرانت

لوحة "المراقبة الليلية" رامبرانت في ال متحف ريجكس في أمستردام. كما تظهر الصورة ، إنها لوحة ضخمة: 363 × 437 سم (143 × 172 بوصة). رامبرانت انتهى عام 1642. عنوانها الحقيقي هو "شركة Frans Banning Cocq و Willem van Ruytenburch" ، لكنها معروفة باسم الحراسة الليلية. (سرية كونها حرس ميليشيا).

كان تكوين اللوحة مختلفًا جدًا عن تلك الفترة. بدلاً من إظهار الأشكال بأسلوب أنيق ومنظم ، حيث أُعطي كل شخص نفس الأهمية والمساحة على القماش ، رسم رامبرانتهم كمجموعة مشغولة في العمل.

حوالي عام 1715 تم رسم درع على "Night Watch" يحتوي على أسماء 18 شخصًا ، ولكن تم التعرف على بعض الأسماء فقط. (لذا تذكر أنك إذا كنت ترسم صورة جماعية: ارسم مخططًا على ظهرها لتلائم أسماء كل شخص في المستقبل ستعرف الأجيال!) في مارس 2009 ، كشف المؤرخ الهولندي باس دودوك فان هيل أخيرًا لغز من هو في لوحة. حتى أن بحثه وجد عناصر من الملابس والإكسسوارات مصورة في "Night Watch" مذكورة في قوائم جرد ممتلكات الأسرة ، التي جمعها بعد ذلك مع عمر رجال الميليشيات المختلفين في عام 1642 ، وهو العام الذي كانت فيه اللوحة منجز.

اكتشف دودوك فان هيل أيضًا أنه في القاعة التي تم فيها تعليق فيلم Night Watch لرامبرانت لأول مرة ، كان هناك ست مجموعات صور شخصية لميليشيا معروضة في الأصل في سلسلة متواصلة ، وليس ست لوحات منفصلة كما كان منذ فترة طويلة فكرت. وبدلاً من ذلك ، شكلت الصور الجماعية الست التي رسمها رامبرانت وبيكينوي وباكر وفان دير هيلست وفان ساندرارت وفلينك إفريزًا غير منقطع يتطابق مع الآخر وتثبيته في الألواح الخشبية للغرفة. أو ، كان هذا هو النية. لا تتناسب "Night Watch" لرامبرانت مع اللوحات الأخرى سواء في التكوين أو اللون. يبدو أن رامبرانت لم يلتزم بشروط لجنته. ولكن بعد ذلك ، إذا كان لديه ، لما حصلنا على هذه الصورة الجماعية المختلفة بشكل مذهل من القرن السابع عشر.

"هير" - ألبريشت دورر

يشار إليها عادة باسم أرنب دورر ، ويطلق عليها العنوان الرسمي لهذه اللوحة اسم الأرنب. اللوحة موجودة في المجموعة الدائمة لـ مجموعة Batliner التابع متحف ألبرتينا في فيينا ، النمسا.

تم رسمها باستخدام الألوان المائية والغواش ، مع الإبرازات البيضاء التي تم إجراؤها في الغواش (بدلاً من كونها بيضاء غير مصبوغة للورقة).

إنه مثال رائع لكيفية رسم الفراء. لمحاكاته ، يعتمد النهج الذي ستتخذه على مقدار الصبر الذي لديك. إذا كان لديك شعرة ، فسوف ترسم باستخدام فرشاة رفيعة ، شعرة واحدة في كل مرة. خلاف ذلك ، استخدم تقنية الفرشاة الجافة أو اقسم الشعر على فرشاة. الصبر والتحمل ضروريان. العمل بسرعة كبيرة على الطلاء المبلل ، ومخاطرة السكتات الدماغية الفردية المزج. لا تستمر لفترة كافية وسيبدو الفراء رديئًا.

كنيسة سيستين سقف فريسكو - مايكل أنجلو

تعتبر لوحة مايكل أنجلو لسقف كنيسة سيستين واحدة من أشهر اللوحات الجدارية في العالم.

كنيسة سيستين هي كنيسة صغيرة في القصر الرسولي ، المقر الرسمي للبابا (زعيم الكنيسة الكاثوليكية) في مدينة الفاتيكان. يوجد فيه العديد من اللوحات الجدارية المرسومة من قبل بعض من أكبر الأسماء في عصر النهضة ، بما في ذلك اللوحات الجدارية لبرنيني ورافائيل ، ومع ذلك فهي تشتهر بلوحات جدارية على السقف من قبل مايكل أنجلو.

ولد مايكل أنجلو في 6 مارس 1475 وتوفي في 18 فبراير 1564. بتكليف من البابا يوليوس الثاني ، عمل مايكل أنجلو عليهاسقف كنيسة سيستين من مايو 1508 إلى أكتوبر 1512 (لم يتم إنجاز أي عمل بين سبتمبر 1510 وأغسطس 1511). تم افتتاح الكنيسة في 1 نوفمبر 1512 ، في عيد جميع القديسين.

يبلغ طول المصلى 40.23 مترًا وعرضه 13.40 مترًا والسقف 20.70 مترًا فوق سطح الأرض عند أعلى نقطة له.¹. رسم مايكل أنجلو سلسلة من المشاهد الإنجيلية والأنبياء وأسلاف المسيح ، بالإضافة إلى سمات الهندسة المعمارية. تُصوِّر المنطقة الرئيسية للسقف قصصًا من قصص سفر التكوين ، بما في ذلك خلق الجنس البشري ، وسقوط الإنسان من النعمة ، والطوفان ، ونوح.

سقف كنيسة سيستين: التفاصيل

ربما تكون اللوحة التي تظهر خلق الإنسان هي المشهد الأكثر شهرة في اللوحة الجدارية الشهيرة لمايكل أنجلو على سقف كنيسة سيستين.

تحتوي كنيسة سيستين في الفاتيكان على العديد من اللوحات الجدارية المرسومة فيها ، لكنها تشتهر بلوحات جدارية على السقف من تصميم مايكل أنجلو. تم إجراء ترميم واسع النطاق بين عامي 1980 و 1994 من قبل خبراء فن الفاتيكان ، لإزالة دخان قرون من الشموع وأعمال الترميم السابقة. أظهر هذا ألوانًا أكثر إشراقًا مما كان يعتقد سابقًا.

شملت أصباغ مايكل أنجلو المغرة للأحمر والأصفر ، وسيليكات الحديد للأخضر ، واللازورد للأزرق ، والفحم للأسود.¹ لم يتم رسم كل شيء بقدر التفاصيل التي تظهر لأول مرة. على سبيل المثال ، تم رسم الأشكال في المقدمة بتفاصيل أكثر من تلك الموجودة في الخلفية ، مما يزيد من الإحساس بالعمق في السقف.

المزيد عن كنيسة سيستين:

• متاحف الفاتيكان: كنيسة سيستين
• جولة افتراضية في كنيسة سيستين

مصادر:
1 متاحف الفاتيكان: كنيسة سيستين ، موقع دولة الفاتيكان ، بالرجوع إليه في 9 سبتمبر 2010.

دفتر ليوناردو دا فينشي

لا يشتهر فنان عصر النهضة ليوناردو دافنشي بلوحاته فحسب ، بل بدفاتر ملاحظاته أيضًا. تُظهر هذه الصورة واحدة في متحف فيكتوريا وألبرت في لندن.

يحتوي متحف V&A في لندن على خمسة من دفاتر ليوناردو دافنشي في مجموعته. هذا ، المعروف باسم Codex Forster III ، استخدمه ليوناردو دافنشي بين عامي 1490 و 1493 عندما كان يعمل في ميلانو لصالح الدوق لودوفيكو سفورزا.

إنه جهاز كمبيوتر محمول صغير الحجم ، من النوع الذي يمكنك الاحتفاظ به بسهولة في جيب المعطف. إنه مليء بجميع أنواع الأفكار والملاحظات والرسومات ، بما في ذلك "الرسومات التخطيطية لأرجل الحصان ورسومات القبعات والملابس التي قد تكون أفكارًا للأزياء في الكرات ، وسردًا لتشريح الإنسان رئيس."¹ بينما لا يمكنك قلب صفحات دفتر الملاحظات في المتحف ، يمكنك تصفحها عبر الإنترنت.

قراءة خط يده ليست سهلة ، بين أسلوب الخط واستخدامه للكتابة المرآة (للخلف ، من اليمين إلى اليسار) لكن البعض يجد أنه من الرائع أن يرى كيف أنه يضع كل الأنواع في واحد دفتر. إنه دفتر عمل ، وليس تحفة فنية. إذا كنت قلقًا من أن يكون لديك مجلة الإبداع لم يتم إجراؤه أو تنظيمه بشكل صحيح إلى حد ما ، خذ زمام المبادرة من هذا المعلم: افعل ذلك كما تريد.

<sub>مصدر:
1. استكشف Forster Codices ومتحف V&A. (تم الوصول إليه في 8 أغسطس 2010.)</sub>

"الموناليزا" - ليوناردو دافنشي

ليوناردو دافنشييمكن القول إن لوحة "الموناليزا" ، في متحف اللوفر في باريس ، هي أشهر لوحة في العالم. ربما يكون أيضًا أفضل مثال معروف على سفوماتو، وهي تقنية رسم مسؤولة جزئيًا عن ابتسامتها الغامضة.

كان هناك الكثير من التكهنات حول هوية المرأة في اللوحة. يُعتقد أنها صورة ليزا غيرارديني ، زوجة تاجر أقمشة فلورنسي يُدعى فرانشيسكو ديل جيوكوندو. (كان الكاتب الفني في القرن السادس عشر فاساري من بين أول من اقترح ذلك ، في كتابه "حياة الفنانين"). كما قيل أن سبب ابتسامتها هو أنها حامل.

يعرف مؤرخو الفن ليوناردو كان قد بدأ "الموناليزا" بحلول عام 1503 ، حيث تم تسجيلها في ذلك العام من قبل مسؤول فلورنسي كبير ، أغوستينو فسبوتشي. عندما انتهى ، لم يكن الأمر مؤكدًا. أرخ متحف اللوفر اللوحة في الأصل إلى 1503-06 ، لكن الاكتشافات التي تم إجراؤها في عام 2012 تشير إلى أنها ربما كانت بقدر ما بعد عقد من الزمان قبل أن يتم الانتهاء منه استنادًا إلى الخلفية التي تستند إلى رسم الصخور المعروف أنه قام به 1510-15.¹ قام متحف اللوفر بتغيير التواريخ إلى 1503-1919 في مارس 2012.

مصدر:
1. كان من الممكن أن تكتمل الموناليزا بعد عقد من الزمن مما كان يعتقد في صحيفة الفن ، بقلم مارتن بيلي ، 7 مارس 2012 (تمت الزيارة في 10 مارس 2012)

مشاهير الرسامين: مونيه في جيفرني

صور مرجعية للرسم: "حديقة مونيه في جيفرني".

جزء من سبب شهرة الرسام الانطباعي كلود مونيه هو لوحاته التي تصور الانعكاسات في برك الزنبق التي أنشأها في حديقته الكبيرة في جيفرني. لقد ألهمته لسنوات عديدة ، حتى نهاية حياته. قام برسم أفكار للوحات مستوحاة من البرك ، وقام بإنشاء لوحات صغيرة وكبيرة كأعمال فردية وسلسلة.

توقيع كلود مونيه

هذا المثال لكيفية توقيع مونيه على لوحاته مأخوذ من إحدى لوحات زنبق الماء يمكنك أن ترى أنه وقع عليها باسم ولقب (كلود مونيه) والسنة (1904). إنه في الزاوية اليمنى السفلية ، بعيدًا بدرجة كافية بحيث لا يتم قطعه بواسطة الإطار.

كان اسم مونيه الكامل كلود أوسكار مونيه.

"شروق الانطباع" - مونيه

أعطت هذه اللوحة التي رسمها مونيه الاسم إلى النمط الانطباعي من الفن. عرضه في عام 1874 في باريس فيما أصبح يعرف باسم المعرض الانطباعي الأول.

قال الناقد الفني لويس ليروي في استعراضه للمعرض الذي حمل عنوان "معرض الانطباعيين":

"تم الانتهاء من ورق الحائط في حالته الجنينية أكثر من تلك المناظر البحرية."

<sub>مصدر:
1. "معرض الانطباعات" للويس لوروي ، لو شاريفاري، 25 أبريل 1874 ، باريس. ترجمه جون ريوالد في تاريخ الانطباعية، موما ، 1946 ، ص 256-61 ؛ اقتبس في Salon to Biennial: Exhibitions that Made Art History by Bruce Altshuler، Phaidon، p42-43.</sub>

سلسلة "أكوام القش" - مونيه

غالبًا ما رسم مونيه سلسلة من نفس الموضوع لالتقاط التأثيرات المتغيرة للضوء ، وتبادل اللوحات مع تقدم اليوم.

رسم مونيه العديد من الموضوعات مرارًا وتكرارًا ، لكن كل واحدة من لوحات سلسلته مختلفة ، سواء كانت لوحة لزنبق الماء أو كومة قش. نظرًا لتناثر لوحات مونيه في مجموعات حول العالم ، فعادة ما يُنظر إلى لوحات سلسلته كمجموعة فقط في المعارض الخاصة. لحسن الحظ ، فإن معهد الفنون في شيكاغو لديها العديد من لوحات مونيه من أكوام التبن في مجموعتها ، لأنها تثير الإعجاب مشاهدة معا:

• كومة من القمح
• ذوبان الجليد ، الغروب
• غروب الشمس ، تأثير الثلج
• تأثير الثلج ، يوم ملبد بالغيوم
• نهاية الصيف

في أكتوبر 1890 ، كتب مونيه رسالة إلى الناقد الفني جوستاف جيفروي حول سلسلة أكوام التبن التي كان يرسمها ، قائلًا:

"أنا جاد في ذلك ، وأعمل بعناد على سلسلة من التأثيرات المختلفة ، ولكن في هذا الوقت من العام ، تغرب الشمس بسرعة كبيرة لدرجة أنه من المستحيل مواكبة ذلك... كلما حصلت على مزيد من المعلومات ، كلما رأيت أنه يجب القيام بالكثير من العمل من أجل تقديم ما أبحث عنه: "اللحظية" ، "المغلف" قبل كل شيء ، نفس الضوء ينتشر على كل شيء... أنا مهووس بشكل متزايد بالحاجة إلى تقديم ما أختبره ، وأدعو الله أن يتبقى لي بضع سنوات جيدة أخرى لأنني أعتقد أنني قد أحقق بعض التقدم في هذا الاتجاه... " ¹

<sup>مصدر: ​
1. مونيه بنفسه، الصفحة 172 ، تحرير ريتشارد كيندال ، ماكدونالد وشركاه ، لندن ، 1989.</sup>

"زنابق الماء" - كلود مونيه

كلود مونيه، "زنابق الماء" ج. 19140-17 ، زيت على قماش. الحجم 65 3/8 × 56 بوصة (166.1 × 142.2 سم). في مجموعة متاحف الفنون الجميلة في سان فرانسيسكو.

ربما يكون مونيه أشهر الانطباعيين ، خاصة بالنسبة للوحاته التي تصور الانعكاسات في بركة الزنبق في حديقة جيفرني الخاصة به. تُظهر هذه اللوحة الخاصة جزءًا صغيرًا من السحابة في الزاوية اليمنى العليا ، وكآبة السماء المرقطة كما تنعكس في الماء.

إذا درست صورًا لحديقة مونيه ، مثل صورة بركة زنبق مونيه وهذه إحدى أزهار الزنبق ، وقارنتها بهذه اللوحة ، فسوف الشعور بكيفية تقليل مونيه من التفاصيل في فنه ، بما في ذلك جوهر المشهد فقط ، أو الانطباع بالانعكاس والماء والزنبق زهرة. انقر على رابط "عرض بالحجم الكامل" أسفل الصورة أعلاه للحصول على نسخة أكبر يسهل فيها التعود على فرشاة مونيه.

قال الشاعر الفرنسي بول كلوديل:

"بفضل الماء ، أصبح [مونيه] رسامًا لما لا نستطيع رؤيته. إنه يخاطب ذلك السطح الروحي غير المرئي الذي يفصل الضوء عن الانعكاس. آيرى أزور أسير من سائل أزور... يرتفع اللون من قاع الماء في السحب ، في الدوامات ".

^مصدر:
صفحة 262 فن قرننا ، بقلم جان لويس فيرير ويان لو بيتشون

توقيع كميل بيسارو

يميل الرسام كاميل بيسارو إلى أن يكون أقل شهرة من العديد من معاصريه (مثل مونيه) ولكن له مكانة فريدة في الجدول الزمني للفن. لقد عمل كأنطباعي وانطباعي جديد ، بالإضافة إلى التأثير على الفنانين المشهورين الآن مثل سيزان وفان جوخ وغوغان. كان الفنان الوحيد الذي عرض أعماله الثمانية المعارض الانطباعية في باريس من 1874 إلى 1886.

بورتريه فان جوخ سيلف (1886/1887)

هذه لوحة بواسطة فنسنت فان غوغ موجود في مجموعة معهد شيكاغو للفنون. تم رسمه باستخدام أسلوب مشابه لـ Pointillism ولكنه لا يلتزم بشكل صارم بالنقاط فقط.

في العامين اللذين عاشهما في باريس ، من 1886 إلى 1888 ، رسم فان جوخ 24 صورة ذاتية. وصف معهد شيكاغو للفنون هذا بأنه يستخدم "تقنية النقطة" الخاصة بـ Seurat ليس كأسلوب علمي ، ولكن "أسلوب مكثف لغة عاطفية "حيث" النقاط الحمراء والخضراء مزعجة ومتماشية تمامًا مع التوتر العصبي الواضح في فان جوخ تحديق."

في رسالة بعد سنوات قليلة إلى أخته ، فيلهلمينا ، كتب فان جوخ:

"لقد رسمت صورتين لنفسي مؤخرًا ، إحداهما لها الطابع الحقيقي ، على ما أعتقد ، على الرغم من أنهم في هولندا ربما يسخرون من الأفكار التي بدأت في رسم اللوحات الفنية هنا... أعتقد دائمًا أن الصور بغيضة ، ولا أحب أن أكون في الجوار ، لا سيما صور الأشخاص الذين أعرفهم وأحبهم... الصور الفوتوغرافية تذبل في وقت أقرب مما نفعل نحن أنفسنا ، في حين أن الصورة المرسومة هي شيء نشعر به ، يتم تصويره بالحب أو الاحترام للإنسان ".

مصدر:
رسالة إلى فيلهلمينا فان جوخ ، ١٩ سبتمبر ١٨٨٩

توقيع فنسنت فان جوخ

مقهى الليل بقلم فان جوخ موجود الآن في مجموعة معرض الفنون بجامعة ييل. من المعروف أن فان جوخ وقع فقط على تلك اللوحات التي كان راضيًا عنها بشكل خاص ، ولكن ما هو غير عادي في حالة هذه اللوحة هو أنه أضاف عنوانًا أسفل توقيعه ، "Le café de Nuit".
لاحظ فان جوخ وقع على لوحاته ببساطة "فنسنت" ، وليس "فنسنت فان جوخ" ولا "فان جوخ".

في رسالة إلى شقيقه ثيو ، كتبها في 24 مارس 1888 ، قال:

"في المستقبل يجب وضع اسمي في الكتالوج حيث أوقعه على القماش ، وبالتحديد فنسنت وليس فان جوخ ، لسبب بسيط هو أنهم لا يعرفون كيفية نطق الاسم الأخير هنا."

"هنا" يجري آرل ، في جنوب فرنسا.
إذا كنت تتساءل كيف تنطق فان جوخ ، فتذكر أنه لقب هولندي ، وليس فرنسي أو إنجليزي. لذلك يتم نطق كلمة "Gogh" ، لذلك تتناغم مع "loch" الاسكتلندية. إنها ليست "goff" ولا "go".

ليلة النجوم - فنسنت فان جوخ

هذه اللوحة ، التي ربما تكون أشهر لوحة لفنسنت فان جوخ ، موجودة في المجموعة في متحف الفن الحديث في نيويورك.
رسم فان جوخ ليلة النجوم في يونيو 1889 ، بعد أن ذكر نجم الصباح في رسالة إلى أخيه ثيو كتبها في حوالي الثاني من يونيو 1889: "هذا الصباح أنا رأيت البلد من نافذتي قبل شروق الشمس بوقت طويل ، ولم يكن هناك شيء سوى نجمة الصباح ، التي بدت كبيرة جدًا ". نجمة الصباح (في الواقع كوكب الزهرة ، وليس نجمًا) يُنظر إليه عمومًا على أنه الكوكب الأبيض الكبير الذي تم رسمه على يسار مركز اللوحة.
تذكر خطابات فان جوخ السابقة أيضًا النجوم وسماء الليل ، ورغبته في رسمها:

1. "متى سأدور في رسم السماء المرصعة بالنجوم ، تلك الصورة التي دائمًا ما تكون في ذهني؟" (رسالة إلى إميل برنارد ، 18 يونيو 1888)
2. "بالنسبة إلى السماء المرصعة بالنجوم ، ما زلت آمل كثيرًا أن أرسمها ، وربما سأفعل ذلك في يوم من الأيام" (رسالة إلى ثيو فان جوخ ، 26 سبتمبر 1888).
3. "في الوقت الحالي ، أرغب تمامًا في رسم سماء مرصعة بالنجوم. غالبًا ما يبدو لي أن لون الليل لا يزال أكثر ثراءً من النهار ؛ وجود درجات من أكثر درجات البنفسج والبلوز والأخضر كثافة. إذا كنت تهتم به فقط ، فسترى أن بعض النجوم هي صفراء ليمون ، والبعض الآخر وردي أو أخضر ، وأزرق ولا ينسى تألق... من الواضح أن وضع نقاط بيضاء صغيرة على الأزرق والأسود لا يكفي لرسم سماء مرصعة بالنجوم. "(رسالة إلى فيلهلمينا فان جوخ ، 16 سبتمبر 1888)

مطعم de la Sirene ، في Asnieres - Vincent van Gogh

هذه اللوحة التي رسمها فنسنت فان جوخ موجودة في مجموعة متحف أشموليان في أكسفورد ، المملكة المتحدة. رسمها فان جوخ بعد وقت قصير من وصوله إلى باريس عام 1887 للعيش مع شقيقه ثيو في مونمارتر ، حيث كان ثيو يدير معرضًا فنيًا.
لأول مرة ، تعرض فينسنت للوحات الانطباعيين (خاصة مونيه) والتقى بفنانين مثل غوغانوتولوز لوتريك وإميل برنارد وبيسارو. بالمقارنة مع أعماله السابقة ، التي كانت تهيمن عليها نغمات الأرض الداكنة النموذجية لرسامي أوروبا الشمالية مثل رامبرانت ، تُظهر هذه اللوحة تأثير هؤلاء الفنانين عليه.
تم تفتيح الألوان التي استخدمها وإشراقها ، وأصبحت فرشاته أكثر مرونة وأكثر وضوحًا. انظر إلى هذه التفاصيل من اللوحة ، وسترى كيف استخدم ضربات صغيرة من اللون النقي ، بشكل منفصل. إنه لا يمزج الألوان على القماش ولكنه يسمح بحدوث ذلك في عين المشاهد. إنه يحاول الخروج من ملف اللون المكسور نهج الانطباعيين.
مقارنة بلوحاته اللاحقة ، تم تباعد شرائط الألوان ، مع وجود خلفية محايدة تظهر بينها. لم يقم بعد بتغطية القماش بالكامل بألوان مشبعة ، ولم يستغل إمكانيات استخدام الفرش لإنشاء نسيج في الطلاء نفسه.

The Restaurant de la Sirene ، في Asnieres بواسطة Vincent van Gogh (التفاصيل)

هذه التفاصيل من لوحة فان جوخ The Restaurant de la Sirene ، في Asnieres (في مجموعة متحف Ashmolean) ، توضح كيف أنه جرب أعماله بالفرشاة وعلامات الفرشاة بعد التعرض للوحات الانطباعيين وغيرهم من الباريسيين المعاصرين الفنانين.

الراقصات الاربعة - ادغار ديغا

إدغار ديغا ، أربعة راقصين ، ج. 1899. زيت على قماش. الحجم 59 1/2 × 71 بوصة (151.1 × 180.2 سم). في ال المعرض الوطني للفنون، واشنطن.

"صورة لأم الفنان" - ويسلر

ربما تكون هذه اللوحة الأكثر شهرة لويسلر. العنوان الكامل هو "الترتيب باللون الرمادي والأسود رقم 1 ، صورة أم الفنان". وافقت والدته على الوقوف للرسم عندما مرض العارضة ويسلر التي كان يستخدمها. طلب منها في البداية أن تقف واقفة ، ولكن كما ترون فقد استسلم ودعها تجلس.
على الحائط نقش بواسطة ويسلر ، "رصيف الأسد الأسود". إذا نظرت بعناية شديدة على الستارة إلى أعلى اليسار لإطار النقش ، سترى لطخة أخف ، هذا هو رمز الفراشة الذي استخدمه ويسلر لتوقيع لوحاته. لم يكن الرمز دائمًا هو نفسه ، لكنه تغير ، وشكله مستخدم لتأريخ عمله الفني. من المعروف أنه بدأ في استخدامه بحلول عام 1869.

"الأمل الثاني" - غوستاف كليمت

"كل من يريد أن يعرف شيئًا عني - كفنان ، الشيء الوحيد الملحوظ - يجب أن ينظر بعناية إلى صوري ويحاول أن يرى فيها ما أنا عليه وما أريد أن أفعله." كليمت.

رسم غوستاف كليمت الأمل الثاني على قماش الكانفاس سنة 1907/8 باستخدام الدهانات الزيتية والذهب والبلاتين. حجمها 43.5 × 43.5 بوصة (110.5 × 110.5 سم). اللوحة جزء من مجموعة متحف الفن الحديث في نيويورك.
الأمل الثاني هو مثال جميل عن استخدام كليمت لأوراق الذهب في اللوحات وأسلوبه الزخرفي الغني. انظر إلى الطريقة التي رسم بها الثوب الذي يرتديه الشخصية الرئيسية ، وكيف أنه شكل تجريدي مزين بدوائر ومع ذلك ما زلنا نقرأه كعباءة أو فستان. كيف في الجزء السفلي يندمج في الوجوه الثلاثة الأخرى.
قال الناقد الفني فرانك ويتفورد في سيرة حياته المصورة عن كليمت:

قام كليمت "بتطبيق أوراق ذهبية وفضية حقيقية من أجل زيادة الانطباع بأن اللوحة هو شيء ثمين ، وليس مرآة يمكن أن تلمح فيها الطبيعة عن بعد ، بل هي قطعة أثرية مصنوعة بعناية ". ²

إنها رمزية لا تزال تعتبر صالحة في الوقت الحاضر بالنظر إلى أن الذهب لا يزال يعتبر سلعة ثمينة.
عاش كليمت في فيينا في النمسا واستمد إلهامه من الشرق أكثر من الغرب ، من "مصادر مثل الفن البيزنطي والأعمال المعدنية الميسينية والسجاد والمنمنمات الفارسية وفسيفساء كنائس رافينا واليابانية شاشات." ³
مصدر:
1. فنانون في السياق: غوستاف كليمت بقلم فرانك ويتفورد (كولينز آند براون ، لندن ، 1993) ، الغلاف الخلفي.
2. المرجع نفسه. ص 82.
3. يسلط الضوء على MoMA (متحف الفن الحديث ، نيويورك ، 2004) ، ص. 54

توقيع بيكاسو

هذا هو توقيع رسام على لوحته التي تعود لعام 1903 (من الفترة الزرقاء) بعنوان "The Absinthe Drinker".
جرب بيكاسو العديد من الإصدارات المختصرة من اسمه كتوقيع لوحته ، بما في ذلك بالأحرف الأولى من الأحرف الأولى محاطًا بدائرة ، قبل الإعداد على "بابلو بيكاسو". اليوم نسمعه عمومًا يشار إليه ببساطة "رسام."

كان اسمه الكامل: بابلو ، ديغو ، خوسيه ، فرانسيسكو دي باولا ، خوان نيبوموسينو ، ماريا دي لوس ريميديوس ، سيبريانو ، دي لا سانتيزيما ترينيداد ، رويز بيكاسو¹.
​
<sub>مصدر:
1. "مجموع الدمار: ثقافات بيكاسو وخلق التكعيبية" بقلم ناتاشا ستالر. مطبعة جامعة ييل. الصفحة ص 209.</sub>

"شارب الأفسنتين" - بيكاسو

رسم بيكاسو هذه اللوحة في عام 1903 ، خلال الفترة الزرقاء (الفترة التي هيمنت فيها درجات اللون الأزرق على لوحات بيكاسو ؛ عندما كان في العشرينات من عمره). يظهر فيه الفنان Angel Fernandez de Soto ، الذي كان أكثر حماسًا للاحتفال والشرب من رسمه¹، والذي شارك في الاستوديو مع بيكاسو في برشلونة في مناسبتين.
تم عرض اللوحة في مزاد علني في يونيو 2010 من قبل مؤسسة أندرو لويد ويبر بعد التوصل إلى تسوية خارج المحكمة في الولايات المتحدة بشأن الملكية ، بعد ادعاء أحفاد المصرفي الألماني اليهودي بول فون مينديلسون بارتولدي أن اللوحة كانت تحت الإكراه في الثلاثينيات خلال النظام النازي في ألمانيا.

<sub>مصدر:
1. دار مزادات كريستيز خبر صحفى، "كريستيز تقدم تحفة بيكاسو" 17 مارس 2010.</sub>

"المأساة" - بيكاسو

بابلو بيكاسو ، المأساة ، 1903. زيت على خشب. الحجم 41 7/16 × 27 3/16 بوصة (105.3 × 69 سم). في ال المعرض الوطني للفنون، واشنطن.

إنه من الفترة الزرقاء ، عندما كانت لوحاته ، كما يوحي الاسم ، يهيمن عليها البلوز.

رسم لبيكاسو لوحته الشهيرة "غيرنيكا"

أثناء التخطيط والعمل على لوحته الضخمة Guernica ، قام بيكاسو بالعديد من الرسومات والدراسات. تظهر الصورة أحد صوره تكوين اسكتشات ، والتي في حد ذاتها لا تبدو كبيرة ، مجموعة من الخطوط المخربشة.

بدلاً من محاولة فك رموز الأشياء المختلفة وأين توجد في اللوحة النهائية ، فكر في الأمر على أنه اختصار لبيكاسو. بسيط صنع العلامة للصور التي كان يحملها في ذهنه. ركز على كيفية استخدامه لهذا لتحديد مكان وضع العناصر في اللوحة ، على التفاعل بين هذه العناصر.

"غيرنيكا" - بيكاسو

هذه اللوحة الشهيرة لبيكاسو ضخمة: 11 قدمًا بارتفاع 6 بوصات وعرض 25 قدمًا و 8 بوصات (3،5 × 7،76 مترًا). رسمها بيكاسو بتكليف من الجناح الإسباني في المعرض العالمي لعام 1937 في باريس. إنه في متحف رينا صوفيا في مدريد ، إسبانيا.

"بورتريه دي مينجويل" - بيكاسو

رسم بيكاسو هذه اللوحة الشخصية عام 1901 عندما كان في العشرين من عمره. هذا الموضوع خياط كاتالوني ، السيد مينجويل ، الذي يعتقد أن بيكاسو قد تعرّف عليه من قبل تاجر الأعمال الفنية وصديقه بيدرو ماناتش¹. يُظهر الأسلوب التدريب الذي تلقاه بيكاسو في الرسم التقليدي ، وإلى أي مدى تطور أسلوبه في الرسم خلال حياته المهنية. إن رسمه على الورق هو علامة على أنه تم القيام به في الوقت الذي انكسر فيه بيكاسو ، ولم يكسب بعد ما يكفي من المال من فنه للرسم على القماش.

قدم بيكاسو اللوحة لمينجويل كهدية ، لكنه اشتراها لاحقًا وما زال يحتفظ بها عندما توفي في عام 1973. تم وضع اللوحة على القماش ومن المحتمل أن تكون قد أعيدت أيضًا تحت إشراف بيكاسو "في وقت ما قبل عام 1969"²، عندما تم تصويره لكتاب من تأليف كريستيان زيرفوس عن بيكاسو.

في المرة القادمة تكون في إحدى نقاشات حفل العشاء حول كيفية رسم جميع الرسامين غير الواقعيين فقط نبذة مختصرة، التكعيبية ، fauvist ، الانطباعية ، اختر أسلوبك لأنهم لا يستطيعون عمل "لوحات حقيقية" ، اسأل الشخص عما إذا كانوا يضعون بيكاسو في هذه الفئة (معظمهم يفعلون) ، ثم اذكر هذه اللوحة.

_{مصدر:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 تفاصيل قطعة بيع الفن الانطباعي والحديث 22 يونيو 2010. (تم الوصول إليه في 3 يونيو 2010.)}

"Dora Maar" أو "Tête De Femme" - بيكاسو

بيعت هذه اللوحة التي رسمها بيكاسو ، عند بيعها في مزاد في يونيو 2008 ، مقابل 7،881،250 جنيه إسترليني (15،509،512 دولارًا أمريكيًا). وتراوحت تقديرات المزاد بين ثلاثة وخمسة ملايين جنيه.

Les Demoiselles d'Avignon - بيكاسو

تم الإعلان عن هذه اللوحة الضخمة (ما يقرب من ثمانية أقدام مربعة) لبيكاسو باعتبارها واحدة من أهم القطع الفنية الحديثة التي تم إنشاؤها على الإطلاق ، إن لم يكن ال الأهم ، لوحة حاسمة في تطور الفن الحديث. تصور اللوحة خمس نساء - عاهرات في بيت دعارة - ولكن هناك الكثير من الجدل حول ما يعنيه كل ذلك وجميع الإشارات والتأثيرات فيه.
الناقد الفني جوناثان جونز¹ يقول:

"ما أصاب بيكاسو بشأن الأقنعة الأفريقية [الواضح في وجوه الشخصيات الموجودة على اليمين] هو الشيء الأكثر وضوحًا: أنهم يخفونك ، ويحولونك إلى شيء آخر - حيوان ، شيطان ، أ الله. الحداثة فن يرتدي قناعا. لا يقول ما تعنيه ؛ إنها ليست نافذة بل جدار. اختار بيكاسو موضوعه على وجه التحديد لأنه كان مبتذلاً: أراد أن يُظهر أن الأصالة في الفن لا تكمن في السرد أو الأخلاق ، بل في الاختراع الرسمي. هذا هو السبب في أنه من المضلل رؤية Les Demoiselles d'Avignon على أنها لوحة "عن" بيوت الدعارة أو البغايا أو الاستعمار ".

مصدر:
1. الأشرار بابلو بقلم جوناثان جونز الحارس، 9 يناير 2007.

"امرأة ذات غيتار" - جورج براك

جورج براك امرأة مع الغيتار, 1913. زيت وفحم على قماش. 51 1/4 × 28 3/4 بوصة (130 × 73 سم). في المتحف الوطني للفنون الحديثة ، مركز جورج بومبيدو ، باريس.

الاستوديو الأحمر - هنري ماتيس

هذه اللوحة موجودة في مجموعة متحف الفن الحديث (موما) في نيويورك. يُظهر الجزء الداخلي من استوديو الرسم في Matisse ، مع منظور مسطح أو طائرة صورة واحدة. لم تكن جدران الاستوديو الخاصة به حمراء ، بل كانت بيضاء. استخدم اللون الأحمر في لوحته للتأثير.
معروض في الاستوديو الخاص به العديد من أعماله الفنية وقطع أثاث الاستوديو. الخطوط العريضة للأثاث في الاستوديو الخاص به عبارة عن خطوط في الطلاء تكشف عن اللون من طبقة سفلية وصفراء وزرقاء ، وليست مطلية فوق اللون الأحمر.

1. "تشير الخطوط الزاوية إلى العمق ، ويؤدي الضوء الأزرق والأخضر للنافذة إلى تكثيف الإحساس بالمساحة الداخلية ، لكن اتساع اللون الأحمر يعمل على تسوية الصورة. يزيد ماتيس من هذا التأثير ، على سبيل المثال ، بحذف الخط الرأسي لزاوية الغرفة ".
- يسلط الضوء على MoMA ، نشره Moma ، 2004 ، صفحة 77.

2. "كل العناصر... تغرق هوياتهم الفردية فيما أصبح تأملًا مطولًا في الفن والحياة والمكان والوقت والإدراك وطبيعة الواقع نفسه... مفترق طرق للرسم الغربي ، حيث التقى الفن الكلاسيكي الذي يتطلع إلى الخارج ، والذي يغلب عليه الطابع التمثيلي للماضي ، مع روح المستقبل المؤقتة والداخلية والمرجعية للذات... "
- هيلاري سبيرلنج ، صفحة 81.

الرقص - هنري ماتيس

تُظهر الصورة العلوية اللوحة النهائية لماتيس بعنوان الرقصة، اكتمل في عام 1910 والآن في متحف الأرميتاج الحكومي في سان بطرسبرج ، روسيا. تُظهر الصورة السفلية الدراسة التركيبية بالحجم الكامل التي أجراها للوحة ، الآن موما في نيويورك ، الولايات المتحدة الأمريكية. رسمها ماتيس بتكليف من جامع الأعمال الفنية الروسي سيرجي شتشوكين.
إنها لوحة ضخمة يبلغ عرضها أربعة أمتار تقريبًا ويبلغ ارتفاعها مترين ونصف المتر (12 '9 1/2 "× 8" 6 1/2 ") ، وهي مطلية بلوحة تقتصر على ثلاثة ألوان: أحمر ، الأخضر والأزرق. أعتقد أنها لوحة توضح سبب شهرة ماتيس كرسام تلوين ، خاصة عندما تقارن الدراسة باللوحة النهائية بأشكالها المتوهجة.
تقول هيلاري سبيرلنغ في سيرتها الذاتية عن ماتيس (في الصفحة 30):

"أولئك الذين شاهدوا النسخة الأولى من الرقص وصفها بأنها شاحبة ، وحساسة ، وحتى تشبه الحلم ، ومطلية بالألوان التي زادت... في النسخة الثانية إلى إفريز شرس ومسطح لأشكال قرمزية تهتز مقابل شرائط من اللون الأخضر الساطع والسماء. رأى المعاصرون أن اللوحة وثنية وديونيزية ".

لاحظ المنظور المسطح ، كيف أن الأشكال بنفس الحجم بدلاً من تلك التي تكون بعيدة عن أن تكون أصغر كما قد يحدث في المنظور أو التقليل المسبق للوحات التمثيلية. كيف يكون الخط الفاصل بين اللونين الأزرق والأخضر خلف الأشكال منحنيًا ، مرددًا صدى دائرة الأشكال.

"كان السطح ملونًا لدرجة التشبع ، لدرجة أن اللون الأزرق ، أي فكرة اللون الأزرق المطلق ، كانت موجودة بشكل قاطع. أخضر ناصع للأرض وزنجفر نابض بالحياة للأجساد. مع هذه الألوان الثلاثة كان لدي تناغم الضوء وكذلك نقاء اللون ". - ماتيس

مصدر:
- "مقدمة لمعرض من روسيا للمعلمين والطلاب" بقلم جريج هاريس ، الأكاديمية الملكية للفنون ، لندن ، 2008.

الرسامين المشهورين: ويليم دي كونينج

ولد الرسام ويليم دي كونينج في روتردام بهولندا في 24 أغسطس 1904 ، وتوفي في لونغ آيلاند ، نيويورك ، في 19 مارس 1997. تم تدريب De Kooning على شركة تجارية للفنون والديكور عندما كان في الثانية عشرة من عمره وحضر دروسًا مسائية في أكاديمية روتردام للفنون الجميلة والتقنيات لمدة ثماني سنوات. هاجر إلى الولايات المتحدة عام 1926 وبدأ الرسم بدوام كامل عام 1936.

كان أسلوب رسم De Kooning عبارة عن تعبيرية مجردة. أقام معرضه الفردي الأول في معرض تشارلز إيغان في نيويورك عام 1948 ، مع مجموعة من الأعمال في طلاء المينا بالأبيض والأسود. (بدأ في استخدام طلاء المينا لأنه لا يستطيع تحمل أصباغ الفنان.) بحلول الخمسينيات من القرن الماضي ، تم التعرف عليه على أنه أحد قادة التعبيرية التجريدية ، على الرغم من أن بعض الأصوليين في الأسلوب يعتقدون أن لوحاته (مثل له النساء السلسلة) المتضمنة الكثير من الشكل البشري.

تحتوي لوحاته على العديد من الطبقات والعناصر المتداخلة والمخفية أثناء إعادة صياغة اللوحة وإعادة صياغتها. يسمح للتغييرات بالظهور. رسم على لوحاته بالفحم على نطاق واسع ، من أجل التكوين الأولي وأثناء الرسم. إن رسوماته إيمائية ، معبرة ، وحشية ، مع إحساس بالطاقة وراء السكتات الدماغية. تم الانتهاء من إلقاء نظرة على اللوحات النهائية ولكنها لم تكن كذلك.

امتد إنتاج De Kooning الفني لما يقرب من سبعة عقود وشمل اللوحات والمنحوتات والرسومات والمطبوعات. صدرت لوحاته النهائية في أواخر الثمانينيات. أشهر لوحاته هي الملائكة الوردية (ج. 1945), حفريات (1950) وثالثه النساء سلسلة (1950-53) تم إجراؤها بأسلوب أكثر رسامًا وبنهج ارتجالي. في الأربعينيات من القرن الماضي ، عمل في وقت واحد في الأساليب التجريدية والتمثيلية. جاءت انطلاقته مع مؤلفاته التجريدية بالأبيض والأسود لعام 1948-1949. في منتصف الخمسينيات من القرن الماضي ، رسم التجريدات الحضرية ، وعاد إلى التصوير في الستينيات ، ثم إلى التجريدات الإيمائية الكبيرة في السبعينيات. في الثمانينيات ، تغير دي كونينج إلى العمل على الأسطح الملساء ، والزجاج بألوان زاهية وشفافة فوق أجزاء من الرسومات الإيمائية.

القوطية الأمريكية - جرانت وود

القوطية الأمريكية ربما تكون أشهر اللوحات التي رسمها الفنان الأمريكي جرانت وود على الإطلاق. هو الآن في معهد شيكاغو للفنون.

رسم جرانت وود "القوطية الأمريكية" عام 1930. يصور رجل وابنته (وليس زوجته¹) يقفون أمام منزلهم. رأى جرانت المبنى الذي ألهم اللوحة في إلدون ، أيوا. النمط المعماري هو القوطي الأمريكي ، حيث تحصل اللوحة على عنوانها. كانت نماذج اللوحة هي أخت وود وطبيب الأسنان.². تم توقيع اللوحة بالقرب من الحافة السفلية ، على رداء الرجل ، مع اسم الفنان والسنة (غرانت وود 1930).

ماذا تعني اللوحة؟ قصد وود أن يكون عرضًا محترمًا لشخصية الأمريكيين في الغرب الأوسط ، موضحًا أخلاقهم البيوريتانية. لكن يمكن اعتباره تعليقًا (هجاء) على عدم تسامح سكان الريف مع الغرباء. تشمل الرمزية في اللوحة العمل الشاق (مذراة) والأسرة (أواني الزهور ومئزر الطباعة الاستعمارية). إذا نظرت عن كثب ، سترى الشوكات الثلاثة للمذراة يتردد صداها في خياطة ملابس الرجل ، وتواصل الخطوط على قميصه.

^{مصدر:
القوطية الأمريكية، معهد شيكاغو للفنون ، تم استرجاعه في 23 مارس 2011.}

"المسيح القديس يوحنا الصليب" - سلفادور دالي

هذه اللوحة سلفادور دالي موجود في مجموعة معرض ومتحف فنون كيلفينغروف في غلاسكو ، اسكتلندا. تم عرضه لأول مرة في المعرض في 23 يونيو 1952. تم شراء اللوحة مقابل 8،200 جنيه إسترليني ، والذي كان يعتبر سعرًا مرتفعًا على الرغم من أنها تضمنت حقوق الطبع والنشر التي مكنت المعرض من كسب رسوم الاستنساخ (وبيع بطاقات بريدية لا حصر لها!).
كان من غير المعتاد أن يبيع دالي حقوق النشر للوحة ، لكنه كان بحاجة إلى المال. (تبقى حقوق النشر مع الفنان ما لم يتم التوقيع عليها ، انظر الأسئلة الشائعة حول حقوق الطبع والنشر للفنان.)

"على ما يبدو ، في مواجهة صعوبات مالية ، طلب دالي في البداية مبلغ 12000 جنيه إسترليني ولكن بعد بعض المساومات الصعبة... باعها مقابل أقل من الثلث تقريبًا ووقع خطابًا إلى مدينة [جلاسكو] في عام 1952 يتنازل فيه عن حقوق النشر.

عنوان اللوحة هو إشارة إلى الرسم الذي ألهم دالي. تم الرسم بالقلم والحبر بعد رؤية للقديس يوحنا الصليب (راهب كرملي إسباني ، 1542-1591) رأى فيها صلب المسيح كما لو كان ينظر إليه من الأعلى. التكوين مذهل لوجهة نظره غير العادية لصلب المسيح ، والإضاءة مثيرة بقوة الظلال، واستخدام كبير من تقصير في الشكل. المناظر الطبيعية في الجزء السفلي من اللوحة هي ميناء مسقط رأس دالي ، بورت ليجات في إسبانيا.
كانت اللوحة مثيرة للجدل من نواحٍ عديدة: المبلغ الذي تم دفعه مقابلها ؛ الموضوع النمط (الذي بدا رجعيًا وليس حديثًا). اقرأ المزيد عن اللوحة على موقع المعرض.

مصدر:
"حالة سريالية لصور دالي وترخيص معركة فنيةبقلم سيفيرين كاريل ، الحارس، 27 يناير 2009

علب حساء كامبل - آندي وارهول

التفاصيل من آندي وارهول علب حساء كامبل. الاكريليك على قماش. 32 لوحة مقاس 20 × 16 بوصة (50.8 × 40.6 سم). في مجموعة متحف الفن الحديث (MoMA) في نيويورك.
عرض وارهول سلسلته من لوحات علب حساء كامبل لأول مرة في عام 1962 ، مع وضع الجزء السفلي من كل لوحة على رف مثل العلبة في السوبر ماركت. هناك 32 لوحة في السلسلة ، عدد أصناف الحساء التي باعتها كامبل في ذلك الوقت.
إذا كنت تتخيل أن وارهول يخزن مخزونه بعلب من الحساء ، ثم يأكل علبة كما أنه انتهى من الرسم ، يبدو أنه ليس كذلك. وفقًا لموقع Moma على الويب ، استخدم وارهول قائمة منتجات من كامبلز لتعيين نكهة مختلفة لكل لوحة.
عندما سئل عنها ، قال وارهول:

"اعتدت أن أشربه. اعتدت أن أتناول الغداء نفسه كل يوم ، لمدة عشرين عامًا ، على ما أعتقد ، نفس الشيء مرارًا وتكرارًا ".¹

يبدو أيضًا أن وارهول لم يكن لديه أمر يريد عرض اللوحات فيه. يعرض موما اللوحات "في صفوف تعكس الترتيب الزمني الذي تم تقديم [الحساء] به ، بدءًا من" الطماطم "في أعلى اليسار ، والتي ظهرت لأول مرة في عام 1897."

لذلك إذا كنت ترسم سلسلة وتريد عرضها بترتيب معين ، فتأكد من تدوين ذلك في مكان ما. من المحتمل أن تكون الحافة الخلفية للوحات القماش هي الأفضل لأنها لن تنفصل عن اللوحة (على الرغم من أنها قد تختفي إذا كانت اللوحات مؤطرة).
وارهول فنان غالبًا ما يذكره الرسامون الراغبون في عمل أعمال مشتقة. هناك شيئان جديران بالملاحظة قبل القيام بأشياء مماثلة:

1. تشغيل موقع موما، هناك إشارة إلى ترخيص من شركة Campbell's Soup (أي اتفاقية ترخيص بين شركة الحساء وممتلكات الفنان).
2. يبدو أن إنفاذ حقوق الطبع والنشر لم يكن يمثل مشكلة في أيام وارهول. لا تضع افتراضات بشأن حقوق النشر بناءً على عمل وارهول. قم ببحثك وحدد مستوى قلقك بشأن قضية انتهاك حقوق الطبع والنشر المحتملة.

لم يكلف كامبل وارهول بعمل اللوحات (على الرغم من أنهم كلفوا لاحقًا رئيس مجلس إدارة متقاعد في عام 1964) و كانت لديه مخاوف عندما ظهرت العلامة التجارية في لوحات وارهول في عام 1962 ، حيث تبنت نهج الانتظار والترقب للحكم على رد الفعل على لوحات. في أعوام 2004 و 2006 و 2012 علب كامبل المباعة مع ملصقات وارهول التذكارية الخاصة.

<sub>مصدر:
1. كما هو مقتبس في موما، تمت الزيارة في 31 أغسطس 2012.</sub>

أكبر الأشجار بالقرب من وارتر - ديفيد هوكني

قمة: الفنان ديفيد هوكني يقف بجانب جزء من لوحته الزيتية "Bigger Trees Near Warter" ، والتي تبرع بها إلى Tate Britain في أبريل 2008.
قاع: عُرضت اللوحة لأول مرة في المعرض الصيفي لعام 2007 في الأكاديمية الملكية في لندن ، وتناولت جدارًا كاملاً.
لوحة زيتية لديفيد هوكني "Bigger Trees Near Warter" (وتسمى أيضًا Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographyique) يصور مشهدًا بالقرب من بريدلينغتون في يوركشاير. تتكون اللوحة من 50 لوحة مرتبة جنبًا إلى جنب. يُضاف الحجم الكلي للرسم إلى 40 × 15 قدمًا (4.6 × 12 مترًا).
في الوقت الذي رسمه هوكني ، كانت أكبر قطعة أكملها على الإطلاق ، على الرغم من أنها ليست الأولى التي صنعها باستخدام لوحات قماشية متعددة.

" فعلت هذا لأنني أدركت أنه يمكنني القيام بذلك بدون سلم. عندما تقوم بالرسم ، يجب أن تكون قادرًا على التراجع. حسنًا ، هناك فنانون قُتلوا وهم يتراجعون عن السلالم ، أليس كذلك؟"
- اقتبس هوكني في أ رويتر تقرير إخباري ، 7 أبريل 2008.

استخدم Hockney رسومات وجهاز كمبيوتر للمساعدة في التكوين والرسم. بعد الانتهاء من القسم ، تم التقاط صورة حتى يتمكن من رؤية اللوحة بأكملها على الكمبيوتر.

"أولاً ، رسم Hockney شبكة توضح كيف سيتناسب المشهد مع أكثر من 50 لوحة. ثم بدأ العمل على لوحات فردية في الموقع. أثناء عمله عليها ، تم تصويرها وتحويلها إلى فسيفساء كمبيوتر حتى يتمكن من رسم تقدمه ، حيث أنه لا يمكن أن يكون لديه سوى ست لوحات على الحائط في المرة الواحدة ".

مصدر:
شارلوت هيغينز ، وصي مراسل فنون يتبرع هوكني بعمل ضخم لتيت، 7 أبريل 2008.

لوحات حرب هنري مور

ال معرض هنري مور في معرض Tate Britain في لندن ، استمر من 24 فبراير إلى 8 أغسطس 2010.

يشتهر الفنان البريطاني هنري مور بمنحوتاته ، ولكنه معروف أيضًا بالحبر والشمع و لوحات بالألوان المائية لأشخاص يحتمون في محطات مترو الأنفاق بلندن خلال الحرب العالمية الثانية. كان مور فنان حرب رسميًا ، و 2010 معرض هنري مور في معرض Tate Britain ، توجد غرفة مخصصة لهؤلاء. بين خريف عام 1940 وصيف عام 1941 ، صوره لشخصيات نائمة متجمعة في القطار استحوذت الأنفاق على إحساس بالكرب غيرت سمعته وأثرت على التصور الشعبي لـ بليتز. عكست أعماله في الخمسينيات من القرن الماضي آثار الحرب واحتمال اندلاع المزيد من الصراع.
ولد مور في يوركشاير ودرس في مدرسة ليدز للفنون عام 1919 ، بعد أن خدم في الحرب العالمية الأولى. في عام 1921 حصل على منحة دراسية في الكلية الملكية في لندن. قام بالتدريس في وقت لاحق في الكلية الملكية وكذلك في مدرسة تشيلسي للفنون. منذ عام 1940 عاش مور في بيري جرين في هيرتفوردشاير ، وهي الآن موطن ل مؤسسة هنري مور. في بينالي البندقية عام 1948 ، فاز مور بجائزة النحت الدولية.

"فرانك" - تشاك كلوز

"فرانك" لتشاك كلوز ، 1969. الاكريليك على قماش. الحجم 108 × 84 × 3 بوصات (274.3 × 213.4 × 7.6 سم). في ال معهد مينيابوليس للفنون.

لوسيان فرويد بورتريه ذاتي وصورة شخصية

الفنان لوسيان فرويد يشتهر بنظرته الشديدة التي لا ترحم ولكن كما تظهر هذه الصورة الذاتية ، فإنه يديرها لنفسه ، وليس فقط نماذجه.

1. "أعتقد أن الصورة الرائعة لها علاقة بـ... الشعور والتفرد وشدة الاحترام والتركيز على المحدد ". ¹
2. "... عليك أن تحاول تصوير نفسك كشخص آخر. مع الصور الذاتية يصبح "التشابه" شيئًا مختلفًا. يجب أن أفعل ما أشعر به دون أن أكون تعبيريًا ". ²

<sup>مصدر:
1. لوسيان فرويد ، مقتبس في فرويد في العمل ص 32-3. 2. اقتبس لوسيان فرويد في لوسيان فرويد بقلم ويليام فيفر (تيت للنشر ، لندن 2002) ، ص 43.</sup>

"والد الموناليزا" - مان راي

"والد الموناليزا" لمان راي ، 1967. استنساخ الرسم المثبت على اللوح الليفي ، مع إضافة السيجار. الحجم 18 × 13 5/8 × 2 5/8 بوصة (45.7 × 34.6 × 6.7 سم). في مجموعة متحف هيرشورن.
يربط الكثير من الناس مان راي بالتصوير الفوتوغرافي فقط ، لكنه كان أيضًا فنانًا ورسامًا. كان صديقًا للفنان مارسيل دوشامب وعمل معه.
في مايو 1999 ، أخبار الفن أدرجت المجلة مان راي في قائمتها لأكثر 25 فنانًا تأثيراً في القرن العشرين ، لتصويره و "استكشافاته للأفلام والرسم والنحت والكولاج والتجميع. ستُطلق على هذه النماذج في النهاية اسم فن الأداء والفن المفاهيمي ".

قالت أخبار الفن:

"قدم مان راي للفنانين في جميع وسائل الإعلام مثالًا للذكاء الإبداعي الذي ، في" سعيه وراء المتعة والحرية "[دليل مان راي المعلن مبادئ] فتح كل باب جاء إليه وسار بحرية حيث كان ". (اقتباس المصدر: Art News ، مايو 1999 ،" Willful Provocateur "بواسطة AD كولمان.)

تُظهر هذه القطعة ، "والد الموناليزا" ، كيف يمكن لفكرة بسيطة نسبيًا أن تكون فعالة. الجزء الصعب هو الخروج بالفكرة في المقام الأول. في بعض الأحيان تأتي على شكل وميض من الإلهام. في بعض الأحيان كجزء من العصف الذهني للأفكار ؛ أحيانًا عن طريق تطوير ومتابعة مفهوم أو فكرة.

مشاهير الرسامين: إيف كلاين

بأثر رجعي: معرض إيف كلاين في متحف هيرشورن بواشنطن ، الولايات المتحدة الأمريكية ، من 20 مايو 2010 إلى 12 سبتمبر 2010.

من المحتمل أن يكون الفنان إيف كلاين هو الأكثر شهرة بأعماله الفنية أحادية اللون التي تتميز باللون الأزرق الخاص به (انظر "فرشاة الرسم الحية" على سبيل المثال). IKB أو International Klein Blue هو لون أزرق لامع صاغه.

أطلق على نفسه اسم "رسام الفضاء" ، سعى "كلاين" إلى تحقيق روحانية غير مادية من خلال لون نقي "واهتم بـ" المفاهيم المعاصرة للطبيعة المفاهيمية للفن "¹.

كان لدى كلاين مهنة قصيرة نسبيًا ، أقل من عشر سنوات. كان أول عمل عام له كتاب فنان إيف بينتوريس ("لوحات إيف") ، نُشرت عام 1954. كان أول معرض عام له في عام 1955. توفي بنوبة قلبية عام 1962 عن عمر يناهز 34 عامًا. (التسلسل الزمني لحياة كلاين من أرشيف إيف كلاين.)

<sub>مصدر:
1. إيف كلاين: مع الفراغ ، القوى الكاملة ، متحف هيرشورن ، http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252 ، تم الدخول إليه في 13 مايو 2010.</sub>

"فرشاة الرسم الحية" - إيف كلاين

هذه اللوحة للفنان الفرنسي إيف كلاين (1928-1962) هي واحدة من المسلسلات التي استخدمها "فرش الرسم الحية". قام بتغطية عارضات الأزياء بدهانه الأزرق المميز (دولي Klein Blue ، IKB) ثم في قطعة من الأداء الفني أمام الجمهور "رسمها" معهم على أوراق كبيرة من خلال توجيههم شفهيا.
العنوان "ANT154" مشتق من تعليق أدلى به الناقد الفني ، بيير ريستاني ، واصفا فيه تم إنتاج اللوحات على أنها "قياسات أنثروبومترية في الفترة الزرقاء". استخدم كلاين اختصار ANT كسلسلة لقب.

اللوحة السوداء - Ad Reinhardt

"هناك شيء خاطئ وغير مسؤول وغافل في اللون ؛ شيء من المستحيل السيطرة عليه. السيطرة والعقلانية جزء من أخلاقي ". - Ad رينهارد عام 1960 ¹

توجد هذه اللوحة أحادية اللون للفنان الأمريكي آد راينهاردت (1913-1967) في متحف الفن الحديث (موما) في نيويورك. إنها 60 × 60 بوصة (152.4 × 152.4 سم) ، زيت على قماش ، ورُسمت في الفترة 1960-1961. خلال العقد الماضي وقليلًا من حياته (توفي عام 1967) ، استخدم راينهاردت اللون الأسود فقط في لوحاته.
ايمي سيا، الذي التقط الصورة ، يقول أن المستشر يشير إلى كيفية تقسيم اللوحة إلى تسعة مربعات ، كل لون مختلف من اللون الأسود.
لا تقلق إذا لم تتمكن من رؤيته في الصورة. من الصعب رؤيتك حتى عندما تكون أمام اللوحة. فيها مقال عن راينهاردت بالنسبة إلى Guggenheim ، تصف نانسي سبيكتور لوحات راينهاردت بأنها "مربعات سوداء صامتة تحتوي على أشكال صليبية بالكاد يمكن تمييزها [والتي] تتحدى حدود الرؤية" ².
<sup>مصدر:
1. اللون في الفن بواسطة John Gage ، الصفحة 205
2. راينهاردت بواسطة نانسي سبيكتور ، متحف غوغنهايم (تم الوصول إليه في 5 أغسطس 2013)</sup>

لوحة جون فيرتو في لندن

رسم الفنان البريطاني جون فيرتو مناظر طبيعية مجردة بالأبيض والأسود فقط منذ عام 1978. على قرص DVD من إنتاج معرض لندن الوطني ، يقول Virtue إن العمل بالأبيض والأسود يجبره على "أن يكون مبدعًا... لإعادة الابتكار". تجنب اللون "يعمق إحساسي بالألوان... الإحساس الفعلي لما أراه... هو الأفضل والأكثر دقة وأكثر نقلًا من خلال عدم وجود لوحة زيت رسم. سيكون اللون مسدودًا ".
هذه إحدى لوحات جون فيرتو بلندن ، وقد تم رسمها عندما كان فنانًا مشاركًا في المعرض الوطني (من 2003 إلى 2005) ال موقع المعرض الوطني يصف لوحات الفضيلة بأنها "صلات بالفرشاة الشرقية والتعبيرية التجريدية الأمريكية" وترتبط ارتباطًا وثيقًا بـ "الإنجليزية العظيمة رسامو المناظر الطبيعية ، تيرنر وكونستابل ، الذين يعجبهم الفضيلة بشكل كبير "بالإضافة إلى تأثرهم" بالمناظر الطبيعية الهولندية والفلمنكية في روسدايل وكونينك و روبنز ".
الفضيلة لا تعطي ألقابًا للوحاته ، بل مجرد أرقام. في مقابلة في عدد أبريل 2005 من الفنانين والرسامين في مجلة ، يقول Virtue إنه بدأ في ترقيم أعماله بالترتيب الزمني في عام 1978 عندما بدأ العمل في أحادية اللون:

"لا يوجد تسلسل هرمي. لا يهم ما إذا كان 28 قدمًا أو ثلاث بوصات. إنها يوميات غير لفظية لوجودي ".

تسمى لوحاته فقط "منظر طبيعي رقم 45" أو "منظر طبيعي رقم 630" وهكذا.

The Art Bin - مايكل لاندي

أقيم معرض Art Bin للفنان مايكل لاندي في معرض جنوب لندن من 29 يناير إلى 14 مارس 2010. المفهوم ضخم (600 م³) حاوية نفايات مدمجة في مساحة المعرض ، حيث يتم التخلص من الفن ، "نصب تذكاري للفشل الإبداعي"¹.
لكن ليس فقط أي فن قديم ؛ كان عليك تقديم طلب لإلقاء فنك في سلة المهملات ، إما عبر الإنترنت أو في المعرض ، مع تحديد مايكل لاندي أو أحد ممثليه ما إذا كان يمكن تضمينه أم لا. إذا تم قبولها ، تم إلقاؤها في سلة المهملات من برج في أحد طرفيها.

عندما كنت في المعرض ، تم إلقاء العديد من القطع ، وكان الشخص الذي قام بالقذف قد فعل ذلك الكثير من التدريب من الطريقة التي تمكن بها من جعل لوحة واحدة تنزلق مباشرة إلى الجانب الآخر من حاوية.
يتجه تفسير الفن إلى مسار متى / لماذا يعتبر الفن جيدًا (أو هراء) ، والذاتية في القيمة المنسوبة إلى الفن ، وفعل جمع الأعمال الفنية ، وقوة جامعي الأعمال الفنية وصالات العرض في صنع أو تحطيم أعمال الفنان وظائف.

كان من المثير للاهتمام بالتأكيد السير على طول الجوانب بالنظر إلى ما تم إلقاؤه ، وما تحطم (الكثير من قطع البوليسترين) ، وما لم يكن كذلك (كانت معظم اللوحات على القماش كاملة). في مكان ما في الأسفل ، كانت هناك طبعة جمجمة كبيرة مزينة بالزجاج من قبل داميان هيرست وقطعة لتريسي أمين. في النهاية ، ما يمكن إعادة تدويره (على سبيل المثال نقالات الورق والقماش) والباقي متجه إلى مكب النفايات. مدفون كقمامة ، من غير المحتمل أن يتم حفره بعد قرون من قبل عالم آثار.

_{مصدر:
1&2. # مايكل لاندي: آرت بن ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? معرف = 164) ، موقع معرض جنوب لندن ، تم الدخول إليه في 13 مارس 2010.}

باراك أوباما - شيبرد فيري

هذه اللوحة للسياسي الأمريكي باراك أوباما ، كولاج متعدد الوسائط ، تم إنشاؤه بواسطة فنان شوارع مقيم في لوس أنجلوس ، شيبرد فيري. كانت هذه هي الصورة المركزية المستخدمة في حملة أوباما الانتخابية الرئاسية لعام 2008 ، ووزعت كنسخة محدودة مطبوعة وتنزيل مجاني. إنه الآن في National Portrait Gallery في واشنطن العاصمة.

1. "لإنشاء ملصق أوباما الخاص به (وهو ما فعله في أقل من أسبوع) ، التقط فيري صورة إخبارية للمرشح من الإنترنت. سعى إلى أوباما الذي بدا رئاسيًا... ثم قام الفنان بتبسيط الخطوط والهندسة ، مستخدمًا لوحة وطنية باللون الأحمر والأبيض والأزرق (والتي يلعب بها بجعل الأبيض بيج والأزرق ظلًا فاتحًا)... كلمات جريئة ...
2. "ملصقات أوباما (والكثير من أعماله التجارية والفنية الجميلة) هي إعادة صياغة لتقنيات الدعاة الثوريون - الألوان الزاهية ، والحروف الجريئة ، والبساطة الهندسية ، والأوضاع البطولية ".

مصدر: ​
"تأييد أوباما في الحائط" بقلم ويليام بوث ، واشنطن بوست 18 مايو 2008.

"قداس ، ورود بيضاء وفراشات" - داميان هيرست

اشتهر الفنان البريطاني داميان هيرست بحيواناته المحفوظة في الفورمالديهايد ، لكن في أوائل الأربعينيات من عمره عاد إلى الرسم الزيتي. في أكتوبر 2009 ، عرض لوحات تم إنشاؤها بين عامي 2006 و 2008 لأول مرة في لندن. هذا مثال على لوحة غير مشهورة لفنان مشهور يأتي من رسامته معرض في مجموعة والاس في لندن بعنوان "لا حب ضائع". (التواريخ: من 12 أكتوبر / تشرين الأول 2009 إلى 24 يناير / كانون الثاني 2010).
بي بي سي نيوز نقلت عن هيرست قوله.

"إنه يرسم الآن فقط باليد" ، وأن لوحاته "كانت محرجة لمدة عامين ولم أكن أرغب في ذلك أي شخص ليأتي. "وأنه" كان عليه "إعادة تعلم الرسم لأول مرة منذ أن كان فنانًا مراهقًا طالب علم."¹

جاء في البيان الصحفي المصاحب لمعرض والاس:

"اللوحات الزرقاء" تشهد على اتجاه جديد وجريء في عمله. سلسلة من اللوحات التي ، على حد تعبير الفنان ، "مرتبطة ارتباطًا وثيقًا بالماضي".

من المؤكد أن وضع الطلاء على القماش هو اتجاه جديد لهيرست ، وحيثما يذهب هيرست ، من المرجح أن يتبعه طلاب الفنون. يمكن أن تصبح اللوحة الزيتية عصرية مرة أخرى.
ذهب دليل About.com إلى London Travel ، Laura Porter ، إلى المعاينة الصحفية لمعرض Hirst وحصلت على إجابة على السؤال الوحيد الذي كنت حريصًا على معرفته: ما هي الأصباغ الزرقاء التي كان يستخدمها؟

قيل للورا أنه كان "الأزرق البروسي للجميع ما عدا واحدة من 25 لوحة ، وهي سوداء. "لا عجب أن يكون لونها أزرق غامق ومشتعل!
الناقد الفني أدريان سيرل الحارس لم يكن مواتيا جدا في لوحات هيرست

"في أسوأ الأحوال ، يبدو رسم هيرست مجرد هواة ومراهق. تفتقر أعماله إلى تلك الجاذبية والذوق الذي يجعلك تؤمن بأكاذيب الرسام. لا يستطيع حملها بعد ".²

<sub>مصدر:
1 هيرست تتخلى عن مخلل، بي بي سي نيوز ، 1 أكتوبر 2009
2. "لوحات داميان هيرست مملة مميتة، "أدريان سيرل ، وصي، 14 أكتوبر 2009.</sub>

مشاهير الفنانين: أنتوني جورملي

أنتوني جورملي هو فنان بريطاني ربما يكون الأكثر شهرة بمنحته Angel of the North ، الذي كشف النقاب عنه في عام 1998. يقع في Tyneside ، شمال شرق إنجلترا ، في موقع كان في السابق منجمًا للفحم ، يرحب بكم بأجنحته التي يبلغ عرضها 54 مترًا.
في يوليو 2009 ، رأى العمل الفني التركيبي لجورملي في القاعدة الرابعة في ميدان ترافالغار بلندن متطوعًا يقف لمدة ساعة على القاعدة ، 24 ساعة في اليوم ، لمدة 100 يوم. على عكس القواعد الأخرى في ميدان ترافالغار ، لا يوجد تمثال دائم على القاعدة الرابعة خارج المعرض الوطني مباشرة. كان بعض المشاركين فنانين بأنفسهم ، ورسموا وجهة نظرهم غير العادية (صورة).
ولد أنتوني جورملي عام 1950 في لندن. درس في كليات مختلفة في المملكة المتحدة والبوذية في الهند وسريلانكا ، قبل التركيز على النحت في مدرسة سليد للفنون في لندن بين عامي 1977 و 1979. كان معرضه الفردي الأول في معرض وايت تشابل للفنون في عام 1981. في عام 1994 ، فاز جورملي بجائزة تيرنر "Field for the British Isles".
سيرته الذاتية على موقع الكتروني يقول:

... أعاد أنتوني جورملي إحياء صورة الإنسان في النحت من خلال تحقيق جذري في الجسد كمكان للذاكرة والتحول ، مستخدمًا جسده كموضوع وأداة ومادة. منذ عام 1990 وسع اهتمامه بالحالة الإنسانية لاستكشاف الجسد الجماعي والعلاقة بين الذات والآخرين في المنشآت الكبيرة ...

لا ينشئ Gormley نوع الشخصية التي يقوم بها لأنه لا يستطيع عمل التماثيل التقليدية. بل إنه يسعد بالاختلاف وبالقدرة التي يعطوننا إياها لتفسيرها. في مقابلة مع الأوقات¹، هو قال:

"لا تتعلق التماثيل التقليدية بالإمكانيات ، ولكنها تتعلق بشيء مكتمل بالفعل. لديهم سلطة أخلاقية قمعية وليست تعاونية. أعمالي تقر بفراغهم ".

^{مصدر:
أنتوني جورملي ، الرجل الذي كسر القالب بقلم جون بول فلينتوف ، الأوقات 2 مارس 2008.}

مشاهير الرسامين البريطانيين المعاصرين

من اليسار إلى اليمين ، الفنانون بوب وروبرتا سميث وبيل وودرو بولا ريجومايكل كريج مارتن ماجي هامبلينج، بريان كلارك ، كاثي دي مونشو ، توم فيليبس ، بن جونسون ، توم هانتر ، بيتر بليك، وأليسون وات.
كانت المناسبة مشاهدة اللوحة ديانا واكتايون بواسطة تيتيان (غير مرئي ، إلى اليسار) في المعرض الوطني في لندن ، بهدف جمع الأموال لشراء اللوحة للمعرض.

مشاهير الفنانين: لي كراسنر وجاكسون بولوك

من هذين الرسامين ، جاكسون بولوك هو أكثر شهرة من Lee Krasner ، ولكن بدون دعمها والترويج لأعماله الفنية ، قد لا يكون له مكان في الجدول الزمني الفني الذي لديه. كلاهما رسم بأسلوب تعبيري مجرد. كافحت كراسنر من أجل الإشادة النقدية في حد ذاتها ، بدلاً من مجرد اعتبارها زوجة بولوك. ترك كراسنر إرثًا لتأسيس مؤسسة بولوك كراسنر، والتي تقدم منحًا للفنانين المرئيين.

سلم الحامل لويس أستون نايت

كان لويس أستون نايت (1873-1948) فنانًا أمريكيًا مولودًا في باريس معروفًا بلوحاته الطبيعية. تدرب في البداية على يد والده الفنان دانيال ريدجواي نايت. عرض في الصالون الفرنسي لأول مرة في عام 1894 واستمر في ذلك طوال حياته بينما حصل أيضًا على شهرة في أمريكا. لوحته الشفق تم شراؤها في عام 1922 من قبل رئيس الولايات المتحدة الأمريكية وارن هاردينغ للبيت الأبيض.
هذه الصورة من أرشيفات الفن الأمريكي، للأسف ، لا يمنحنا موقعًا ، ولكن عليك أن تعتقد أن أي فنان يرغب في الخوض فيه كان الماء مع سلمه الحامل والدهانات إما مخصصًا جدًا لمراقبة الطبيعة أو تمامًا رجل الاستعراض.

1897: فئة فنون نسائية

هذه الصورة من عام 1897 من أرشيفات الفن الأمريكي يعرض فصلًا فنيًا نسائيًا مع المدرب ويليام ميريت تشيس. في تلك الحقبة ، كان الرجال والنساء يحضرون دروسًا فنية بشكل منفصل ، حيث كانت النساء محظوظة بما يكفي للحصول على تعليم فني على الإطلاق.

المدرسة الصيفية للفنون حوالي 1900

تم تصوير طلاب الفنون في الفصول الصيفية في مدرسة سانت بول للفنون الجميلة ، ميندوتا ، مينيسوتا ، في عام 1900 تقريبًا مع المعلم بيرت هاروود.
بغض النظر عن الموضة ، تعتبر قبعات الشمس الكبيرة عملية للغاية بالنسبة لها الرسم في الهواء الطلق لأنه يبقي الشمس بعيدًا عن عينيك ويمنع تعرض وجهك لحروق الشمس (كما هو الحال مع بلوزة بأكمام طويلة).

"سفينة نيلسون في زجاجة" - Yinka Shonibar

في بعض الأحيان يكون مقياس العمل الفني هو الذي يمنحه تأثيرًا كبيرًا ، أكثر بكثير من الموضوع. "Nelson's Ship in a Bottle" بواسطة Yinka Shonibar هي قطعة من هذا القبيل.

"Nelson's Ship in a Bottle" بواسطة Yinka Shonibar هي سفينة يبلغ ارتفاعها 2.35 متر داخل زجاجة أطول. إنها نسخة طبق الأصل بمقياس 1:29 من الرائد نائب الأدميرال نيلسون ، HMS فوز.
ظهرت "سفينة نيلسون في زجاجة" على القاعدة الرابعة في ميدان ترافالغار بلندن في 24 مايو 2010. ظلت القاعدة الرابعة فارغة من عام 1841 حتى عام 1999 ، عندما كانت أول سلسلة مستمرة من الأعمال الفنية المعاصرة ، تم تكليفها خصيصًا للقاعدة من قبل مجموعة التكليف الرابعة.
كان العمل الفني قبل "سفينة نيلسون في زجاجة" هو One & Other من تأليف أنتوني جورملي ، حيث وقف شخص مختلف على القاعدة لمدة ساعة ، على مدار الساعة ، لمدة 100 يوم.
من عام 2005 إلى عام 2007 كان بإمكانك رؤية تمثال لمارك كوين ، أليسون لابر حامل، واعتبارًا من نوفمبر 2007 كان نموذجًا لفندق 2007 بواسطة Thomas Schutte.
قام الفنان بطباعة تصاميم الباتيك على أشرعة "سفينة نيلسون في زجاجة" على قماش ، مستوحاة من قماش من إفريقيا وتاريخها. الزجاجة 5x2.8 متر ، مصنوعة من البرسبيكس وليس الزجاج ، وفتحة الزجاجة كبيرة بما يكفي لتسلق الداخل لبناء السفينة.